viernes, abril 01, 2016

Serie de cuadros al oleo de pequeño formato de temas de marinas y escenas de playa

Pequeña serie de cuadros al oleo de tres temas del Mediterráneo.

Se trata de tres cuadros pintados por encargo en los que se puede apreciar tres escenas de playa diferentes con niños en la playa jugando y que podemos ver a menudo.

Cuadro al oleo de unos niños en una playa 30x24 cms
Hoy comparto en este blog una serie pequeña de tres cuadros que he realizado recientemente por encargo en el mismo tamaño y de un formato pequeño a modo de estudio rápido y con una técnica muy suelta de pintura, es decir, de una pincelada rápida y nerviosa para capturar la esencia del momento y la luz que había en el momento, sobre todo el juego que la luz realiza en cada una de las escenas de contraluces, sombras y brillos en el mar. 


Cuadro de una niña en la orilla del mar 30x24 cms
El primer cuadro de la serie quizás sea el que más se diferencia de los demás siendo una escena con mas contrastes entre sí con las figuras a contraluz y de tonos oscuros y por este motivo quizás mucho más luminoso ya que el mar se refleja con tonos plateados y muy brillantes.

Niña y su padre saliendo del mar. 30x24 cms
La pincelada corta y fina hace que los tres cuadros sean como escenas vistas a través de un vidrio formando un mosaico diminuto de pequeñas manchas de color que al alejarnos forman un conjunto que tiene para nuestra mirada armonía y compone la figura que vemos. Es siempre algo complicado trabajar en estos pequeños tamaños este tipo de cuadros pero también es un reto y es muy enriquecedor hacerlo ya que es bueno cambiar mucho de tamaño y no pintar sólo en un tamaño determinado o con una composición concreta ya que en escenas comunes de nuestro día a día podemos encontrar mucha belleza.

lunes, febrero 29, 2016

Artista. El trabajo más solitario. Frente al lienzo

Esta es una de las reflexiones a las que se llega cuando te dedicas al trabajo de artista, a pintar.

Un trabajo complicado que no siempre deja el resultado y las satisfacciones esperadas aunque si en muchas ocasiones.

Un colega de trabajo, también artista suele comentarme que el trabajo de artista en este caso pintor es muy duro, si cabe uno de los más duros y solitarios trabajos que existen. El artista se enfrenta diariamente al lienzo a algo complejo que requiere concentración y perseverancia.
El artista Willard Leroy Metcalf pintando en la nieve
El artista Willard Leroy Metcalf pintando en la nieve


Hablaré de pintura ya que es lo que conozco por ser mi profesión pero igualmente se podría trasladar a otra disciplina artística. Es un error pensar que la pintura relaja como a menudo escucho. Es posible que sea así para la persona que lo toma como un pasatiempo, como algo diferente que hacer después del trabajo pero si te dedicas a esto de manera profesional es muy complicado y sólo ves lo complejo que es con el paso de los años. 

Esto por otro lado no quiere decir que no me guste lo que realizo al contrario pero implica multitud de decisiones a tomar y caminos por el que seguir. Me explico:

Cuando se comienza a pintar la mayor parte por pasatiempo los motivos que se eligen son diversos y pintamos todo lo que se cruza en nuestro camino pero esto con el tiempo si nos dedicamos realmente a este oficio veremos que es un error y que lo que mueve todo es una idea o un motivo a pintar, un tipo de paisaje o marina, un tipo de retratar figuras o lo que también podría llamarse un estilo propio que caracterice nuestra pintura y esto es lo complicado de la pintura ya que podemos pasarnos media vida pintando y no encontrarlo por eso es importante reflexionar en este aspecto y conseguir tener un camino por el que seguir, un tema, un motivo o como queramos llamarlo pero algo que nos guste de verdad sobre lo que queramos trabajar y a partir de ahí todo se definirá y la pintura nos indicará el camino a seguir.
  El artista Camille Pissarro transportando su caballete para pintar al aire libre
El artista Camille Pissarro transportando su caballete para pintar al aire libre

Es un trabajo como decía al principio que se puede vincular con el trabajo de investigación de cualquier científico, de insistencia y perseverancia buscando algo que no siempre es fácil de encontrar y vernos en mitad del desierto en muchas ocasiones sin saber el camino a seguir.

Lo que es cierto de todos modos es que hagamos lo que hagamos debemos estar contentos con nuestro trabajo y no importarnos lo que pueda decir nadie sino continuar e insistir en el motivo de nuestra obra ya que habrá personas a las que les guste y muchas otras no pero lo cierto es que es a nosotros a los que nos tiene que gustar el trabajo realizado y creer en lo que hacemos.

En definitiva se trata de un trabajo bastante solitario, frente a frente con el lienzo desentrañando algo que queremos mostrar.


viernes, enero 22, 2016

Dos acuarelas de paisajes

Acuarelas de paisajes

En estas dos acuarelas sin terminar que hiciera el artista británico David Cox se puede apreciar el sistema de trabajo que llevaba a cabo el artista lo que me ha llevado a escribir este comentario sobre el proceso de pintura de acuarelas como en este caso.

No es frecuente ver el proceso de creación de algunos cuadros, sobre todo si se trata de acuarelas y a menudo vemos la obra terminada pero no abandonada a la mitad y sobre todo si se trata de un artista que es reconocido por la maestría en el manejo de la pintura con acuarelas como lo fue David Cox.
Acuarela de David Cox
En estas acuarelas lo primero que vemos es el dibujo a lápiz que realiza el artista antes de comenzar a utilizar el color. Esto es fundamental. De hecho es realmente vital el dibujo en cualquier tipo de pintura ya que es la base de cualquier cuadro y la base de conocimiento de lo que queremos pintar.

Estudio en acuarela de David Cox
Probablemente y al igual que muchos artistas de la época en la que se frecuentaba pintar al aire libre y sobre todo una época en la que los artistas tenían un afán de exploración del medio más allá de los motivos artísticos, es decir un interés por examinar el medio y representarlo, pintar efectos de luz, fenómenos meteorológicos como tormentas o tempestades en ese preciso momento como hiciera el famoso J.M.W. Turner. De este modo en las dos acuarelas que presento se puede apreciar la rapidez de la ejecución de las mismas sobre todo en la segunda dejando sólo parcialmente manchadas y marcadas algunas zonas.

Recomiendo que se vea con detenimiento el resto de la obra de este artista, se puede encontrar bastante información sobre él en internet,

martes, enero 05, 2016

De la fotografía al cuadro

Tomando como referencia una fotografía he realizado el cuadro que muestro a continuación.

Desde que se invento la fotografía numerosos artistas han hecho uso de la fotografía para usarlo cómo modelo y pintar sus cuadros. En este caso he pintado un paisaje de la provincia de Alicante sirviéndome de una imagen.


Cuadro al óleo de un paisaje de los alrededores de Llibert en Alicante

Fotografía de Kika Zaragoci Soliveres que ha servido de modelo para realizar el cuadro
Pintar a partir de una imagen tomada por el ojo de una cámara puede parecer un proceso que no es natural ya que acostumbramos a tener un concepto muy estereotipado del artista que pinta del natural o la figura humana a través de un modelo en su estudio. Esto es verdad y se pinta así también pero los artistas a lo largo de los siglos se han valido de multitud de elementos que les han servido de ayuda para la representación de lo que quieren capturar y la fotografía es uno de ellos.

Hay que decir que no todas las fotografías valen, es decir, por su composición tonos, colores etc...a veces sólo son válidas como lo que son pero de poco sirven a la hora de pintarlas sobre un lienzo.

Personalmente suelo utilizar este medio para realizar composiciones y para estudiar el modelo que quiero representar pero hago muchas hasta que consigo una imagen que reúna todas las características que busco.

Muestro aquí un cuadro de reciente creación de un paisaje que cuando lo vi por primera vez pensé que dentro de esa imagen había un cuadro. En las dos imágenes en la parte superior se puede apreciar arriba el cuadro terminado y abajo la fotografía que me sirvió como modelo a nivel compositivo, como referencia de color pero luego hay que llevar todo eso a nuestro modo de entender ese paisaje y trasladarlo y adaptarlo a la técnica que suelo utilizar cuando pinto un cuadro que a día de hoy es bastante impresionista.

Pinceladas rápidas, pequeñas y yuxtapuestas entre si con diferentes direcciones creando un mosaico de color. Colores más oscuros en las primeras capas de pintura y más claros en las más superiores dejando ver también las más oscuras sin llegar a cubrirlo del todo de modo que al alejarnos vemos colores claros y oscuros mezclados entre si y mezclándose en nuestra mirada ya que si miramos al cielo vemos que no está compuesto sólo por un color sino por multitud en función de cómo incida la luz. De modo que este cuadro al óleo es una impresión de ese paisaje, una captura de ese momento en el que se puede apreciar aparte del color y la atmósfera el viento, algo invisible pero que queda patente en el cuadro al ver las ramas y las hojas en ligero movimiento, un movimiento generando por la suave y cálida brisa de una mañana de primavera.

Pintar un cuadro de estas características se basa en la observación concienzuda de la imagen o del paisaje que tenemos en ese momento, como he comentado en otras ocasiones el artista debe aprender a mirar, a observar la naturaleza y el medio que lo rodea. Pissarro decía de Monet esto y que al pintura de este era poesía a través d la armonía de los colores. Esta es al meta cuando pinto un cuadro, el crear un espacio de armonía de colores y esa lógica para el ojo que lo ve parte de la realidad, de un paisaje real que a través de mi mirada la transformo en mi realidad y entonces es cuando realizo el cuadro con un estilo determinado como es el caso al comparar la imagen del paisaje real con el cuadro.

En cuanto al parecido entre el cuadro y la imagen no hay que prestar demasiada atención al respecto ya que la imagen es sólo una referencia, no quiere decir que sea exactamente igual que la fotografía ya que es una interpretación de la realidad y todo debe adaptarse a nuestro concepto en este caso del paisaje que estamos observando. Siempre se suele caer en el error de comparar la realidad con el cuadro y no es bueno hacerlo ni siquiera en el caso de los artistas hiperrealistas ya que incluso en este caso la realidad captada por artistas que pintan en este estilo es también una realidad cambiada y adaptada a su modo de ver las cosas.

lunes, diciembre 21, 2015

Pintar bien y pintar mal

A veces juzgamos demasiado rápido los cuadros de cualquier artista que no se adapta a nuestro concepto de lo que debe ser una obra de arte.

Pero ¿qué es pintar bien? ¿cuando un cuadro es bueno?

A veces me pregunto todo esto cuando estoy frente a uno de mis cuadros . Es complicado dar respuesta a esto ya que hay muchas zonas grises y no es todo blanco o negro.

Cuadro al óleo de Edouard Vuillard
A veces escucho la frase: " tal artista o tal otro pinta muy bien" o " pues aquel pintor pinta muy mal" y he de reconocer que me fascina lo claro que lo tienen muchas personas en cuanto a arte se refiere ya que siempre me ha costado mucho decidir o tener un juicio sobre este tema.

Casi todos los artistas en sus comienzos suelen dar bandazos, no se deciden por el tema a pintar y se sienten atraídos por muchos motivos, ven que todo se puede representar, que todo se puede plasmar en el lienzo que es verdad y es una realidad pero pasado un tiempo el que decide continuar su carrera artística podrá comprobar lo complicado que es todo en apariencia sencillo ya que lo difícil es encontrar la idea, el tema sobre el que trabajar durante tiempo, a veces semanas, a veces meses, a veces años. Conseguir la idea sobre la que trabajar es complicado, a veces viene por si sola y a veces algo nos aporta la idea. Puede ser en el medio figurativo o en el medio abstracto.

Digo esto porque la idea y el conocimiento de la obra de otros artistas tanto actuales como de épocas pasadas nos aportarán una visión más amplia de lo que es al pintura, de entender el motivo en el que trabajaron otros artistas y nos ayudará a comprender y encontrar el nuestro.

Al principio casi siempre tenemos algunas predilecciones por algunos artistas y de manera errónea solemos desechar a los otros pero todo se basa en el conocimiento. La mayor parte de las veces no nos gusta porque no lo conocemos. Si acudimos a una exposición de un artista y nos empapamos bien de todo su trabajo y lo comprendemos o nos lo explican suele pasar que nuestro concepto cambia, puede que nos siga sin gustar por muchos motivos algunos incluso irracionales, simplemente no nos gusta pero por lo menos tendremos una visión y un conocimiento del mismo y esto hará inevitablemente que lo veamos de otro modo.
Camille Pissarro, oleo sobre lienzo


Por eso también animo a visitar las exposiciones que se hagan en museos o galerías de arte ya que hará que nuestro concepto respecto a algún artistas del que tenemos dudas cambie,

Recuerdo que hace años no me acababan de convencer los artistas impresionistas, sobre todo los franceses, pensaba que estaban sobrevalorados y me inclinaba más por otro tipo de pintura en la que la línea y el dibujo estaba más presente y no pintaban con el color. Pues bien, al cabo de los años mi pintura se ha ido transformando y he ido adoptando esas influencias en mi pintura. Recuerdo que no me acababa de convencer ni Pissarro ni Monet pero me negué a conformarme con mi opinión y decidí conocer a través de muchos medios, libros, epistolarios, visitas a exposiciones, vídeos etc...cambiando mi opinión con el tiempo. Esto me ha sucedido con el grupo Nabis también, ahora me parece una maravilla contemplar esa pintura.

De modo que al final he llegado a la conclusión que me gustan todos y todas las épocas, de cada artista, de cada movimiento pictórico se puede sacar una lectura positiva y enriquecedora. No es fácil decir que es pintar bien y mal, creo que es muy complicado y no creo que existan esos términos en arte.


lunes, diciembre 14, 2015

Últimos cuadros al óleo realizados

Algunos paisajes al óleo pintados recientemente

Paisajes impresionistas de España

Paisaje de amapolas de Llibert, Alicante, óleo sobre lienzo
Hoy quiero compartir mis últimos cuadros realizados al óleo. Se tratan de paisajes de diferentes lugares de España en los que se puede ver reflejado el estilo impresionista que impera en mi pintura en los últimos tiempos.

Se trata de marinas de y de cuadros de paisajes en los que la pincelada pequeña y corta muy junta entre sí y yuxtapuesta va formando toda la composición del cuadro.
Todos los cuadros tienen cosas en común entre sí a pesar de tratarse de temas muy distintos y de no parecerse en el motivo si que lo hacen en la técnica que he empleado al pintarlos ya que como se puede apreciar son muy parecidos.
Cuadro al óleo de una vista del pico Aneto
En algunos de estos cuadros el motivo a pintar no lo he elegido yo sino que me lo han encargado a través de una fotografía pero siempre es un placer poder pintar cualquier tema ya que en cada tema hay siempre algo por descubrir.


Cuadro al óleo de la bahía de Santander
La pincelada compone todo el cuadro, es decir el modo en el que se pinta cada cuadro con pinceladas en diferentes direcciones que hacen que el cuadro a modo de mosaico cobre consistencia cuando nos alejamos y lo vemos a cierta distancia lo cual aporta cierta magia a cada obra. Capturando una impresión de cada momento de cada instante de luz vivido bien pintado a través del ojo de la cámara o del mio en un momento determinado. Esos instantes que son plasmados con ciertas imperfecciones por el ojo del artista pero que por otro lado aportan gran cantidad de emociones y sentimientos a lo que se está viendo a pesar de la falta de perfección pero esto es algo fundamental en arte.

Cuadro al óleo de Es Pontàs, Mallorca
Y he decidido poner estas obras de reciente creación por un motivo y es que todos los cuadros tienen en común la técnica empleada y el estilo y el tema, todos son paisajes, pero sobre todo algo complicado de conseguir en pintura y es el hecho de tener una obra con un hilo conductor tanto en el modo de realizar cada cuadro o en el tema elegido. Quizás pintar sea lo más fácil, pintar en realidad lo hace todo el mundo de un modo o de otro pero encontrar el camino que uno desea es lo complicado, llegar a tener una obra consistente en tema y técnica y tener una obra redonda.

Cuadro al óleo de la playa de la Franca, Asturias
La pintura es un arte con resultados a largo plazo, en realidad creo que todas las artes lo son y en una sociedad en la que la inmediatez es algo normal en el día a día es una frivolidad dedicarse a algo como la pintura pero si se desea dedicar a esto hay que tener grandes dosis de paciencia y dedicación y poco a poco se van viendo resultados, todo forma parte de un proceso lento de aprendizaje del que nunca se acaba de aprender, es complicado de explicar pero este es el resultado de las últimas pinturas que he realizado en los últimos tiempos y de las que estoy satisfecho ya que me parece que tienen entre sí puntos comunes. 

Creo que cuando se comienza a pintar se realizan todo tipo de cuadros con diferentes motivos por la ansiedad que nos apremia el hecho de querer pintar todo lo antes posible y las influencias de los artistas que más nos gustan nos atraen distorsionando la realidad de las cosas y queriendo realizar cuadros con motivos muy espectaculares cuando lo que en realidad funciona mejor y nos daremos cuenta con el paso del tiempo son los motivos sencillos como ya he comentado aquí en otras ocasiones.

Esto lo aprenderemos con el paso del tiempo, con el día a día, nos daremos cuenta que pintar es algo más que poner pinceladas sobre una tela sino expresar de manera involuntaria (es decir con nuestro estilo) cosas sobre ese lienzo de modo que pasados los años quien vea nuestros cuadros sepan relacionarnos inmediatamente. Pero es inevitable pasar por todo como todos los artistas lo hicieron antes. El mismo Van Gogh pasó por multitud de etapas en las que su pintura va cambiando hasta que la sociedad en todo el mundo es capaz de distinguir un cuadro de Van Gogh sin entender de pintura porque esos cuadros de su ultima etapa con trazos retorcidos y marcados han quedado tan impresos en el imaginario colectivo de todo el mundo que son universales y por lo tanto perfectamente reconocibles. Esto en menor medida puede ocurrir con nuestra pintura si dedicamos nuestro tiempo a encontrar nuestro propio camino.





lunes, noviembre 30, 2015

La abstracción de los motivos en pintura

Ejemplos que la naturaleza nos ofrece respecto a la composición de un cuadro

La abstracción de un paisaje y su relación con la pintura

Jackson Pollock, nº1

Jackson Pollock en una entrevista realizada en el momento cumbre de su carrera artística a la revista Life cuando le preguntaban sobre el sentido de sus cuadros de la etapa en la que utilizaba la técnica conocida como "drilling" aludía al sentido que puede tener un campo de flores en un paisaje, es decir cuando lo miramos de cerca y vemos ese cúmulo de colores y de formas que de algún modo nos resulta atractivo. 
Ocurre lo mismo con la pintura en general, no se trata de que se parezca como parece creer mucha gente sino más bien de que nos guste cómo se ha representado o pintado ese paisaje o lo que sea, simplemente nos resulta atractivo a la mirada.
Claude Monet  nenúfares
Desde este punto de vista puede ocurrir lo mismo con la obra algo más figurativa como puede ser la pintura de Claude Monet que al final de su vida desembocó casi en la abstracción con sus temas de nenúfares. Pero todavía puede ir más allá todo si recordamos los cuadros de Monet de la etapa más joven o este cuadro que he añadido aquí. Si estuviéramos a tan sólo diez centímetros de la obra podríamos observar que no son mas que manchas y todo lo que vemos de lejos de cerca nos perderíamos en un mar de color.

Todo esto nos lleva a una conclusión y es que hay que ver mucho, es decir, ver a todos los artistas si prejuicios de antemano para disfrutar de todo lo que nos pueden ofrecer y no cerrarnos a nada. Se trata de percibir lo que el artista nos ofrece en ese momento e ir de la mano del mismo para poder disfrutar de los colores, las formas y demás que hay en el cuadro que estamos viendo sin limitarnos con nada.

Cuando como decía al principio ante un cuadro que no es figurativo podremos disfrutar de el por lo que es no por lo que creemos que debería ser y así recrearnos bien con la pintura. Porque al fin y al cabo ningún artista pretende plasmar las cosas tal y como son, incluso los más realistas tampoco lo hacen ya que en este tipo de obras hiper-realistas también se puede apreciar que está recogida una atmósfera muy particular que no se corresponde con lo que normalmente vemos. Por lo que no debemos juzgar una obra de arte por el hecho que no se ajuste a nuestra concepción de lo que debe ser una pintura o un cuadro o de lo que encaja dentro de nuestros parámetros de armonía.