jueves, julio 07, 2016

J.M.W. Turner, una escena de un claro de luna.

Uno de los primeros cuadros que J.M.W. Turner para la Real Academia fue este pequeño cuadro de una escena de un claro de luna en la que la luz a pesar de lo oscuro del tema es la protagonista del cuadro.

Estudio de luz de luna de J.M..W. Turner.
Este cuadro evidencia lo que sería a partir de ese momento el modo de entender la pintura para Turner ya que la luz asumiría un papel muy importante en toda la obra del artista. Se trata de uno de los primeros cuadro para la Real Academia y una declaración de intenciones en toda regla.

Un cuadro en el que la luz de la luna se proyecta sobre el río Thamesis y sus alrededores en Millbank en la zona central de la ciudad de Londres. Un lugar en al que Turner solía acudir a tomar estudios en esta zona por la que sentía gran interés.

Técnicamente si fijamos nuestra atención en la línea del horizonte podemos imaginar cómo Turner utilizó los colores al óleo prácticamente como la acuarela. Quizás por ser este último un medio en el que Turner se encontraba muy cómodo trabajando y lo utilizaba habitualmente.

Diluye el color quizás en una mezcla de trementina y aceite para controlar bien el color y obtener el resultado deseado en el cuadro.

Para saber más sobre esta obra se puede visitar la página de la Tate de Londres donde se describe con detalle todo lo referente a esta pintura.

lunes, junio 13, 2016

Dos cuadros en acuarela de Santander

Dos marinas pintadas en acuarela de dos puntos diferentes de la ciudad de Santander.

Dos cuadros realizados por encargo en acuarela de dos lugares muy conocidos de Santander en el mismo tamaño.

Acuarela de la playa del Camello, Santander.
Playa del Camello, acuarela, 50x40 cms
Recientemente he estado trabajando en estas dos acuarelas de dos marinas de los alrededores de Santander en las que el cielo y el mar son sus protagonistas. Son dos cuadros con una atmósfera similar pero en cada cuadro nos aporta el paisaje marino algo diferente. En el primer cuadro la roca inclinada por otro lado muy conocida de la playa del Camello en Santander lleva todo el peso de al composición prácticamente junto con el cielo en el que una gran masa de nubes se aleja. Aquí se puede apreciar la gran influencia que la pintura de John Sell Cotman tiene en mi pintura y en el tratamiento del color y la forma ya que si observamos las nubes y los colores utilizados podemos encontrar paralelismos en ellas así como en los tonos del cielo tanto de al parte superior izquierda como de la línea del horizonte. El color ocre amarillo controla gran parte del cuadro que constrasta muy bien con el verde azulado del mar.

Isla de Mouro, acuarela
Isla de Mouro, Santander, acuarela, 50x40 cms

 Por otro lado tenemos esta marina donde la isla de Mouro muy visible desde muchas partes de la bahía de Santander aparece entre olas bajo un cielo que a diferencia del anterior cuadro este permanece bajo un cielo de temporal de lluvia y viento en el que se aprecia algún claro por el que entra la luz e ilumina la zona central del mar. En el cuadro anterior el mar parece en calma después de haber pasado la gran masa de nubes y en esta al contrario se aprecia con olas en ambas partes.

En ambos casos el color y el tratamiento de la pintura es diferente así como el del color pero en ambas acuarelas lo bonito de estos cuadros es resaltar la belleza del mar.

jueves, mayo 19, 2016

Una marina pintado en óleo y acuarela del mismo tema

Dos marinas al oleo y acuarela de un mismo tema utilizando estas dos técnicas diferentes

Marina en acuarela
Últimamente he estado trabajando en temas de mar, es decir, marinas tanto en oleo como en acuarela. A continuación muestro dos cuadros realizados del tema elegido que es la playa de Comillas y que he pintado en dos versiones con diferente técnica del mismo tema. Esto es muy habitual en mi obra ya que el modo de entender el paisaje con técnicas diferentes es muy similar aunque a nivel plástico el resultado sea diferente. La acuarela más suave en los trazos y pinceladas con el color más diluido creando aguadas en todo el cuadro aporta ligereza a la composición general mientras que el óleo nos aporta más consistencia al cuadro. La composición del cuadro como se puede observar es muy parecida aunque las personas que caminan están en diferente lugar.


Marina al oleo
En ambos cuadros se podría decir que el modo de pintar es básicamente el mismo excepto utilizando tipos de pintura diferentes, es decir el estilo es el mismo pero el modo de usar los materiales es distinto.
En mi sitio web se pueden ver estas obras y un comentario de cada una de las pinturas con más detalles al respecto.
Se puede acceder a continuación desde los siguientes enlaces:

viernes, abril 01, 2016

Serie de cuadros al oleo de pequeño formato de temas de marinas y escenas de playa

Pequeña serie de cuadros al oleo de tres temas del Mediterráneo.

Se trata de tres cuadros pintados por encargo en los que se puede apreciar tres escenas de playa diferentes con niños en la playa jugando y que podemos ver a menudo.

Cuadro al oleo de unos niños en una playa 30x24 cms
Hoy comparto en este blog una serie pequeña de tres cuadros que he realizado recientemente por encargo en el mismo tamaño y de un formato pequeño a modo de estudio rápido y con una técnica muy suelta de pintura, es decir, de una pincelada rápida y nerviosa para capturar la esencia del momento y la luz que había en el momento, sobre todo el juego que la luz realiza en cada una de las escenas de contraluces, sombras y brillos en el mar. 


Cuadro de una niña en la orilla del mar 30x24 cms
El primer cuadro de la serie quizás sea el que más se diferencia de los demás siendo una escena con mas contrastes entre sí con las figuras a contraluz y de tonos oscuros y por este motivo quizás mucho más luminoso ya que el mar se refleja con tonos plateados y muy brillantes.

Niña y su padre saliendo del mar. 30x24 cms
La pincelada corta y fina hace que los tres cuadros sean como escenas vistas a través de un vidrio formando un mosaico diminuto de pequeñas manchas de color que al alejarnos forman un conjunto que tiene para nuestra mirada armonía y compone la figura que vemos. Es siempre algo complicado trabajar en estos pequeños tamaños este tipo de cuadros pero también es un reto y es muy enriquecedor hacerlo ya que es bueno cambiar mucho de tamaño y no pintar sólo en un tamaño determinado o con una composición concreta ya que en escenas comunes de nuestro día a día podemos encontrar mucha belleza.

lunes, febrero 29, 2016

Artista. El trabajo más solitario. Frente al lienzo

Esta es una de las reflexiones a las que se llega cuando te dedicas al trabajo de artista, a pintar.

Un trabajo complicado que no siempre deja el resultado y las satisfacciones esperadas aunque si en muchas ocasiones.

Un colega de trabajo, también artista suele comentarme que el trabajo de artista en este caso pintor es muy duro, si cabe uno de los más duros y solitarios trabajos que existen. El artista se enfrenta diariamente al lienzo a algo complejo que requiere concentración y perseverancia.
El artista Willard Leroy Metcalf pintando en la nieve
El artista Willard Leroy Metcalf pintando en la nieve


Hablaré de pintura ya que es lo que conozco por ser mi profesión pero igualmente se podría trasladar a otra disciplina artística. Es un error pensar que la pintura relaja como a menudo escucho. Es posible que sea así para la persona que lo toma como un pasatiempo, como algo diferente que hacer después del trabajo pero si te dedicas a esto de manera profesional es muy complicado y sólo ves lo complejo que es con el paso de los años. 

Esto por otro lado no quiere decir que no me guste lo que realizo al contrario pero implica multitud de decisiones a tomar y caminos por el que seguir. Me explico:

Cuando se comienza a pintar la mayor parte por pasatiempo los motivos que se eligen son diversos y pintamos todo lo que se cruza en nuestro camino pero esto con el tiempo si nos dedicamos realmente a este oficio veremos que es un error y que lo que mueve todo es una idea o un motivo a pintar, un tipo de paisaje o marina, un tipo de retratar figuras o lo que también podría llamarse un estilo propio que caracterice nuestra pintura y esto es lo complicado de la pintura ya que podemos pasarnos media vida pintando y no encontrarlo por eso es importante reflexionar en este aspecto y conseguir tener un camino por el que seguir, un tema, un motivo o como queramos llamarlo pero algo que nos guste de verdad sobre lo que queramos trabajar y a partir de ahí todo se definirá y la pintura nos indicará el camino a seguir.
  El artista Camille Pissarro transportando su caballete para pintar al aire libre
El artista Camille Pissarro transportando su caballete para pintar al aire libre

Es un trabajo como decía al principio que se puede vincular con el trabajo de investigación de cualquier científico, de insistencia y perseverancia buscando algo que no siempre es fácil de encontrar y vernos en mitad del desierto en muchas ocasiones sin saber el camino a seguir.

Lo que es cierto de todos modos es que hagamos lo que hagamos debemos estar contentos con nuestro trabajo y no importarnos lo que pueda decir nadie sino continuar e insistir en el motivo de nuestra obra ya que habrá personas a las que les guste y muchas otras no pero lo cierto es que es a nosotros a los que nos tiene que gustar el trabajo realizado y creer en lo que hacemos.

En definitiva se trata de un trabajo bastante solitario, frente a frente con el lienzo desentrañando algo que queremos mostrar.


viernes, enero 22, 2016

Dos acuarelas de paisajes

Acuarelas de paisajes

En estas dos acuarelas sin terminar que hiciera el artista británico David Cox se puede apreciar el sistema de trabajo que llevaba a cabo el artista lo que me ha llevado a escribir este comentario sobre el proceso de pintura de acuarelas como en este caso.

No es frecuente ver el proceso de creación de algunos cuadros, sobre todo si se trata de acuarelas y a menudo vemos la obra terminada pero no abandonada a la mitad y sobre todo si se trata de un artista que es reconocido por la maestría en el manejo de la pintura con acuarelas como lo fue David Cox.
Acuarela de David Cox
En estas acuarelas lo primero que vemos es el dibujo a lápiz que realiza el artista antes de comenzar a utilizar el color. Esto es fundamental. De hecho es realmente vital el dibujo en cualquier tipo de pintura ya que es la base de cualquier cuadro y la base de conocimiento de lo que queremos pintar.

Estudio en acuarela de David Cox
Probablemente y al igual que muchos artistas de la época en la que se frecuentaba pintar al aire libre y sobre todo una época en la que los artistas tenían un afán de exploración del medio más allá de los motivos artísticos, es decir un interés por examinar el medio y representarlo, pintar efectos de luz, fenómenos meteorológicos como tormentas o tempestades en ese preciso momento como hiciera el famoso J.M.W. Turner. De este modo en las dos acuarelas que presento se puede apreciar la rapidez de la ejecución de las mismas sobre todo en la segunda dejando sólo parcialmente manchadas y marcadas algunas zonas.

Recomiendo que se vea con detenimiento el resto de la obra de este artista, se puede encontrar bastante información sobre él en internet,

martes, enero 05, 2016

De la fotografía al cuadro

Tomando como referencia una fotografía he realizado el cuadro que muestro a continuación.

Desde que se invento la fotografía numerosos artistas han hecho uso de la fotografía para usarlo cómo modelo y pintar sus cuadros. En este caso he pintado un paisaje de la provincia de Alicante sirviéndome de una imagen.


Cuadro al óleo de un paisaje de los alrededores de Llibert en Alicante

Fotografía de Kika Zaragoci Soliveres que ha servido de modelo para realizar el cuadro
Pintar a partir de una imagen tomada por el ojo de una cámara puede parecer un proceso que no es natural ya que acostumbramos a tener un concepto muy estereotipado del artista que pinta del natural o la figura humana a través de un modelo en su estudio. Esto es verdad y se pinta así también pero los artistas a lo largo de los siglos se han valido de multitud de elementos que les han servido de ayuda para la representación de lo que quieren capturar y la fotografía es uno de ellos.

Hay que decir que no todas las fotografías valen, es decir, por su composición tonos, colores etc...a veces sólo son válidas como lo que son pero de poco sirven a la hora de pintarlas sobre un lienzo.

Personalmente suelo utilizar este medio para realizar composiciones y para estudiar el modelo que quiero representar pero hago muchas hasta que consigo una imagen que reúna todas las características que busco.

Muestro aquí un cuadro de reciente creación de un paisaje que cuando lo vi por primera vez pensé que dentro de esa imagen había un cuadro. En las dos imágenes en la parte superior se puede apreciar arriba el cuadro terminado y abajo la fotografía que me sirvió como modelo a nivel compositivo, como referencia de color pero luego hay que llevar todo eso a nuestro modo de entender ese paisaje y trasladarlo y adaptarlo a la técnica que suelo utilizar cuando pinto un cuadro que a día de hoy es bastante impresionista.

Pinceladas rápidas, pequeñas y yuxtapuestas entre si con diferentes direcciones creando un mosaico de color. Colores más oscuros en las primeras capas de pintura y más claros en las más superiores dejando ver también las más oscuras sin llegar a cubrirlo del todo de modo que al alejarnos vemos colores claros y oscuros mezclados entre si y mezclándose en nuestra mirada ya que si miramos al cielo vemos que no está compuesto sólo por un color sino por multitud en función de cómo incida la luz. De modo que este cuadro al óleo es una impresión de ese paisaje, una captura de ese momento en el que se puede apreciar aparte del color y la atmósfera el viento, algo invisible pero que queda patente en el cuadro al ver las ramas y las hojas en ligero movimiento, un movimiento generando por la suave y cálida brisa de una mañana de primavera.

Pintar un cuadro de estas características se basa en la observación concienzuda de la imagen o del paisaje que tenemos en ese momento, como he comentado en otras ocasiones el artista debe aprender a mirar, a observar la naturaleza y el medio que lo rodea. Pissarro decía de Monet esto y que al pintura de este era poesía a través d la armonía de los colores. Esta es al meta cuando pinto un cuadro, el crear un espacio de armonía de colores y esa lógica para el ojo que lo ve parte de la realidad, de un paisaje real que a través de mi mirada la transformo en mi realidad y entonces es cuando realizo el cuadro con un estilo determinado como es el caso al comparar la imagen del paisaje real con el cuadro.

En cuanto al parecido entre el cuadro y la imagen no hay que prestar demasiada atención al respecto ya que la imagen es sólo una referencia, no quiere decir que sea exactamente igual que la fotografía ya que es una interpretación de la realidad y todo debe adaptarse a nuestro concepto en este caso del paisaje que estamos observando. Siempre se suele caer en el error de comparar la realidad con el cuadro y no es bueno hacerlo ni siquiera en el caso de los artistas hiperrealistas ya que incluso en este caso la realidad captada por artistas que pintan en este estilo es también una realidad cambiada y adaptada a su modo de ver las cosas.